Album - 2 東松照明 - camp OKINAWA

文／CHING-YI CHANG

東松照明 - camp OKINAWA

東松照明 - camp OKINAWA

東松照明 - camp OKINAWA

東松照明 - camp OKINAWA

東松照明 - camp OKINAWA

東松照明 - camp OKINAWA

東松照明 - camp OKINAWA

除了美麗的海洋、古老的琉球王朝之外，沖繩是一個觀光勝地以及產出歌手與演員的地區。這個古老卻也宛如新生兒的島嶼，在近代來看彷彿一張張奇異色彩的照片，炫目又讓人顫慄。1945年美軍佔領沖繩後，展開了27年的管制，亦設有美軍基地。美軍基地在當地是一個飽受爭議、產生對立的存在，過去幾年，日本與美國政府也不斷討論基地遷移的事宜。而美軍基地同時是在地經濟的來源，也是不爭的事實[1]。最初對於沖繩的模糊印象，是大江健三郎1969年書寫的《沖繩札記》，書中描寫沖繩人多年來對於自己的土地認同，不斷追尋歷史的真相以及試圖向日本政府做出抗辯，書中大量充滿了不同視角與證詞，在我的內心深刻留下了深刻印象。

日本自1920年以來持續有許多攝影師皆以沖繩地區為拍攝對象，未來社陸續出版攝影系列寫真《琉球烈像》，可以看到石川真生的《FENCES, OKINAWA》專注於美軍基地與人物本身，呈現了外國人與日本人家庭的故事；而中平卓馬的《沖繩．奄美．土噶喇1974-1978》則如同新聞報導般呈現沖繩的自然原始狀態。

而東松照明為戰後重要的攝影家，他的《camp OKINAWA》也以特別的角度捕捉了沖繩的人與物。1974年曾作為新日本攝影(New Japanese Photography)的代表在紐約MoMA展出，開啟西方對於日本攝影的熱潮。東松照明的攝影是聚焦於社會的，更關注充滿傷痕的歷史，如廣島或長崎於原爆後的紀錄、殖民給予日本的文化衝擊甚至是當時的流行樣貌。在《琉球烈像》的序言中，仲里効提到：攝影師作為一個外來者短暫地造訪沖繩，拍攝了許多你未曾在新聞中看見的沖繩樣貌。你在沖繩可以看見戰後歷史的殘像，你看到的遠遠不只是一種異國情調，而是多種文化在活著的島嶼中蛻變[2]。

從《camp OKINAWA》看到東松照明捕捉沖繩的幾條路線：沖繩人與美軍的微妙關係、建築殘像、隱含於日常的恐懼與衝突。相互倚賴又相互憎恨的沖繩人與美國人，女人需要陪酒維生，男人走上街頭武裝抗議美軍基地的存在與相關法律的不公正。一個異質的空間誕生在沖繩，使得雙方皆呈現非自由、備受壓力的狀態。另一方面，東松並沒有拍攝沖繩的自然風光，而是大量在斑剝的建築取景，充滿英語與日語的標題的招牌商標、各式怪異的塗鴉及空曠荒涼的街道，照片自1969至2008年，沖繩好像沒有什麼相當大的變化。

對現在的人們而言，沖繩是一個四環海洋的觀光地區，相似的土產，黑糖、海鹽、苦瓜混和著的沖繩歌謠，過往的民族糾葛彷彿被掩蓋般地，僅存在沖繩人的心中，僅在混血的臉孔上留下痕跡。對於外來者而言，永遠無法切身體會沖繩的歷史，僅能從攝影中看見這些混沌與歡愉。


[1] 參考加藤嘉一的文章

[2]未來社
http://ryukyu-retsuzou.com/

----攝影師檔案----
東松照明Shomei Tomatsu (1930-2012)

Remembering Shomei Tomatsu

the man who changed Japanese photography for ever (the Guardian)

-Album-
自2015年開始的寫作計畫，聚焦於歷史中的攝影，介紹特別的攝影師與其作品，探究攝影的多種面向。

Album - 1 旅行真相

文／CHING-YI CHANG

「在外國旅行的攝影家，因為對異國的憧憬，使他們在眼球上戴著偏光鏡，因此無法觀看這個世界，同時也變得無法觀看自己。」

這段在《決鬥寫真論》針對攝影者旅行的描述，提出一種有趣的論點。旅行可以做為尋找攝影題材的手段，可以作為攝影者探索陌生環境的動力，在旅行中的攝影，我們是否可以看出攝影師的偏見呢？

讓我們回到1970年代，反戰議題、環境保護議題正在發酵，攝影師紛紛開始探索自己的土地，開始到處旅行，以自己的鏡頭拍下走過的每道痕跡。作為snapshot的起點，攝影師William Eggleston(1939-)與Stephen Shore(1947-)這兩位攝影師不約而同地使用彩色底片拍攝，他們同樣地被攝影大師Walker Evans、Robert Frank或Henri Cartier-Bresson所啟發，同樣地在Andy Warhol的工廠中鬼混，拍攝那幫才氣縱橫的傢伙。也幸運地，前後被大型美術館的策展人所重視，並舉辦個人展覽。

Stephen Shore West Ninth Avenue, Amarillo, Texas, October 2, 1974

© Stephen Shore Courtesy Aperture Foundation

Stephen Shore Queens, New York, April 1972

Stephen Shore Trail’s End Restaurant, Kanab, Utah, August 10, 1973

© Stephen Shore Courtesy Aperture Foundation

Stephen Shore Tucumcari, New Mexico, July 1972

Stephen Shore U.S. 10, Post Falls, Idaho, August 25, 1974

Shore在1972年展開了旅程，拍攝德州、阿馬里洛等地，並嘗試35mm、4x5吋至8x10吋的規格拍攝，經典系列作品如Uncommon Places、Complete work、American Surfaces。如同一部美國公路電影，懷著一種旅途風景與日常的交織，Stephen Shore拍攝自己吃過的每一餐，遇到的每個人，睡的床鋪，使用的廁所，所行駛的街道，所看見的建築物。拍攝所看見的每樣事物，在Shore的鏡頭下，是一種拼接的風景，平凡混和世俗，看得到那年代美國的汽車旅館、招牌路標、流行字體、冰箱與電視規格、年輕女孩的妝容、調味加工食品。

Untitled (St. Simons Island, Georgia), 1978 from Morals of Vision, 1978

© William Eggleston

© William Eggleston Los Alamos Los Alamos

Published in 2002 by Eggleston Artistic Trust

© William Eggleston Los Alamos Los Alamos

Published in 2002 by Eggleston Artistic Trust

© William Eggleston Los Alamos Los Alamos 

Published in 2002 by Eggleston Artistic Trust

The Democratic Forest 1989© William Eggleston

而Eggleston則在1965年開始嘗試彩色攝影，並在1970年代發展彩色染印(dye-transter print)，彩色染印的技法使得Eggleston的作品歷久至今不褪色。Eggleston前後也展開相當多次的旅行，像是洛杉磯、喬治亞州或是自己的出生地孟菲斯拍攝的一系列的作品。Eggleston使用濃烈的色彩呈現他的旅行。家庭餐廳、路邊吃冰淇淋的男子、放在引擎蓋上的可樂瓶、麥田中的廣告招牌，都用一種溫柔的眼光去呈現這些事物、這些景色。一切是如此日常、不重要，卻是如此完整。


無論是國內或是國外，旅行攝影所存有的偏見，同時是攝影者／旅行者的幻夢，也是當下所體驗的真實。1970年代的美國街頭攝影，無論是Stephen Shore使用攝影來寫日記之一景一物，或是William Eggleston溫暖地呈現旅行所見的每個生活細節，都是相當可愛的，都呈現了那年代的絢麗與衰敗。偏見，在旅行中無關正確性，在攝影中，是攝影者絕對的視線。


---攝影師檔案---
William Eggleston(1939-)
http://www.egglestontrust.com/

Stephen Shore(1947-)
http://stephenshore.net/


-Album-
自2015年開始的寫作計畫，聚焦於歷史中的攝影，介紹特別的攝影師與其作品，探究攝影的多種面向。