8.10.2017

荷蘭,不只是風車鬱金香,還有一堆博物館 #Netherlands Museum 01

Rijksmuseum/ Van Gogh Museum/ Stedelijk Museum Amsterdam
May 2017
文/CHING-YI CHANG


距離五月的荷蘭旅行好一陣子,終於有時間整理心得!這次要介紹許多有趣的荷蘭博物館或景點,由於每個博物館都非常精采,故這次只以我覺得相當特別的點來介紹。如果來到荷蘭想要一覽超多博物館的話,建議購買博物館卡(MuseumKaart),為期一年,幾乎90%的博物館都可以免費入場。

位於阿姆斯特丹Museumplein區域,除了有知名的地標 I AMSTERDAM讓觀光客可以瘋狂合照外,超級大的廣場周邊圍繞著各種博物館建築,還有餐車與博物館商店,離精品街距離也很近,是一個可以待上一整天的好地方。


1 ) Rijksmuseum 荷蘭國家博物館

自2013年重新開館的荷蘭國家博物館,由建築師Antonio Cruz及Antonio Ortiz所進行的改造計畫及女王主持的開幕典禮皆充滿話題性,這個博物館對於荷蘭的重要性不可言喻。除了蒐藏許多相當經典的林布蘭作品、荷蘭藝術、中世紀藝術甚至是歐洲、亞洲的藝術品,舊建築及現代的室內設計巧思交織,其參觀動線、餐廳、賣店都設計地非常完美,是個可以舒適地參觀的博物館。

圖 先抵達博物館0層的大廳,這邊有相當多的服務,驗票、租借導覽機器、拿DM、寄物等等人潮洶湧。
圖 什麼!這邊也有一張梵谷的自畫像。
圖 Rijksmuseum雖然在老建築內,但是製造光影的設計非常有氣氛,室內懸掛的燈具完全不顯突兀,高聳花窗與壁畫相輔相成。
圖 這面很像色票牆的應該是捐贈名單。

圖 走到二樓,來到最為重要的Rembrandt Vermeer,端景展示林布蘭的作品<夜巡>(The Night Watch),這作品對於光影及人物的描繪多麼傳神不在這贅述了,看到會超感動的一幅作品!


有一點值得學習的:荷蘭的博物館很流行將一個重要的作品或物件做成一張分析的大卡片(荷蘭語/英語版本皆有),裡面拆解畫作的時代背景、色調、主題、象徵意義,旁邊則會解說藝術家為什麼這樣畫、這些物件代表的意義、反映了什麼樣的時代特徵,簡直是活的藝術史教學,比課堂講得還要詳細,兒童觀眾也可以懂。

圖 維梅爾的作品<倒牛奶的女僕>(De Melkmeid)的大卡片,很可惜地館員跟我說她去巴黎展出了,很遺憾沒能看到。
圖 Rijksmuseum的樓層平面圖用簡單線稿處理,指示觀眾方向。


圖 蒐藏品相當多元:油畫、版畫、織品、雕塑、精工等。
圖 餐廳下午茶點也相當精緻,點了一個超好吃的布朗尼,在博物館中用餐真的超浪漫啊(快哭了)。
圖 外面的花園開放大眾進入,當然還有酒精飲料等可付費享用。
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2 ) Van Gogh Museum 梵谷博物館

位在Rijksmuseum斜對角的梵谷美術館,本館由1973年建築師Kisho Kurokawa所蓋的,而新館為1999年建築師黑川紀章所設計不對稱的橢圓狀建築。當然,這個博物館蒐藏了相當多梵谷的作品,裡面有相當多名作,可以看到像是The Bedroom(1888)、多幅的自畫像(1887-1888)、Almond Blossom(1890)、Wheatfield with Crows(1890)、Sunflowers(1889)等超經典作品。除了在藝術史上的地位之外,梵谷的傳奇生平故事吸引觀眾一步步向前探索畫中的世界。

圖 博物館內不能拍照,不過所提供的付費語音導覽介面非常流暢!尤其是可以根據號碼索引作品,觀眾也可以根據不同的故事線去觀看作品,讓對梵谷不熟悉的觀眾深入地理解他的生平及創作脈絡。


光是按照動線走這個博物館就是一種非常特殊的視覺享受:本館展覽從二樓開始,故事從Van Gogh 1883-1889開始說起,講述梵谷打滾在巴黎現代藝術及藝術圈友人之間;其實最有趣的是三樓Van Gogh Close up這區,裡面展示從親友書信的書信、藝術家友人的畫作中呈現梵谷的不同性格及面向,甚至展現了他曾經用過的畫畫材料及用具,讓人感到梵谷是如此真實地在創作。而四樓尾聲Van Gogh是令人感傷的一個章節,講述他在療養院度過的餘生,他的作品及對於藝術的熱忱實在啟發了相當多的觀眾,也讓人如此地感動,原本對於梵谷沒有崇拜感的我,好像終於能夠理解他的作品在藝術史上的價值。

圖 館內的動線是相當明確清楚的,而且館內每個指標、字型、空間色彩都很有設計感!

圖 一個可以讓觀眾搶著合照的大型梵谷自畫像牆面。
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3 ) Stedelijk Museum Amsterdam 阿姆斯特丹市立博物館

緊臨Van Gogh Museum的就是之於當代荷蘭藝術圈相當重要的阿姆斯特丹市立博物館。這棟博物館的外觀相當特殊,像個大浴缸或飛碟(?),2004年時由荷蘭建築師Mels Crouwel耗時多年所計畫改造的,一走進博物館就可以感受到新舊建築和諧共存的氛圍,在大空間中有博物館服務台及賣店(這間賣店的商品是這群博物館中最時尚的!超多想敗的小物!)、閱讀空間,要更走進舊建築中才能開始逛不同的展廳,這座博物館也不例外地展示超多經典的作品:

圖 安迪沃荷(Andy Warhol)作品Flowers [Large Flowers] (1964)

圖 蒙德里安(Piet Mondriaan)作品 Composition with Blue, Yellow, Red, Black, and Gray(1922)

圖 夏卡爾(Marc Chagall)作品 Le violoniste (1912)

圖 李奇登斯坦(Roy Lichtenstein)作品 As I Opened Fire (1964)

圖 兩個屋頂交接的結構,真是讓人讚嘆! 

圖 展覽CAMERA IN LOVE,來源:Stedelijk Museum Amsterdam 
順道看了荷蘭國寶級攝影大師ED VAN DER ELSKEN的展覽CAMERA IN LOVE,當時無論在機場或車站都可以看到這個展覽的廣告,好喜歡他在日本拍的那一系列作品。

入境隨俗地在museum shop購買明信片寄給友人,享受美好下午茶!

圖 逛完博物館可以悠閒地在草地上休息,超喜歡Museumplein這區的。

逛完這些博物館會覺得腿快斷了,看博物館展覽跟人生一樣是一場無止境的馬拉松,需要不斷努力!


―待續―


INFO.
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Museums //

Rijksmuseum 

Van Gogh Museum

Stedelijk Museum Amsterdam

MuseumKaart

Exhibition // ED VAN DER ELSKEN - CAMERA IN LOVE (4 FEB - 21 MAY 2017)

12.05.2016

坂茂「讓建築創作與社會貢獻並存」建築講座─筆記分享

2016.11.30 臺北國際會議中心TICC大會堂
文/CHING-YI CHANG


由TOTO及YKKAP主辦的建築講座,這次來分享知名日本建築師坂茂(SHIGERU BAN)的建築理念,親切的坂茂先生,帶來了相當多有趣的建築設計過程的精彩故事。


►故事是這樣開始的……


畢業於南加州建築學院(Southern California Institute of Architecture)及庫珀聯盟學院建築學部(Cooper Union's School of Architecture)的坂茂先生,回到東京之後成立自己的事務所。剛開始沒有建築的案子可以做,1986年時他開始做展覽[1],剛開始因為不想浪費昂貴的木材而使用回收捲筒當作隔間建材。

逐漸從小型建案開始實驗不同材質作為材料,坂茂先生在2000年時被選為德國漢諾威世博日本館的建築設計師[2], 因為強調環保材質,希望拆掉建築後建材都是可以回收的,他使用了紙製的外膜卻可以防火防水符合規範,而這個建築特別的地方在於拆掉的過程也同時是坂茂先生認為最美的時刻。

Japanese pavilion at the Expo 2000, Hannover (2000),來源:Wikipedia
Nomadic Museum(2006),來源:Wikipedia

接著,坂茂先生挑戰了許多被稱為是「游牧式博物館」的移動建築,他利用當地的貨櫃當作結構,創造了在紐約及加州河岸邊的NOMADIC MUSEUM[3],也創造了相當大的展示空間及觀影空間。

開放的空間對他而言,是相當重要的,像是住宅作品PICTURE WINDOW HOUSE[4],就擁有大到相當過分的觀景窗,讓建築有非常好的視野,讓人想要住在這邊放鬆呢。

而利用收納櫃當作建築結構向上發展的作法,也在作品「家具の家 」[5]中實現(這跟日本人擅長收納的概念有點類似!)。

除了紙以外,坂茂先生也利用竹或木的材質來創造建築,像是採用竹藝竹編造型、可以引入自然光的大分縣立美術館[6] 或是Aspen Art Museum[7],使用類似斗笠的結構作為支撐屋頂的造型,不論日夜間看建築體都相當地美。

Aspen Art Museum at dusk,來源:Wikipedia

大分県立美術館,來源:Wikipedia


在世界各地設計各種大型場館、商業、文化設施的同時,坂茂先生同樣在另一種建築領域相當積極,那就是投入各地震災活動設計避難所[8]。從1991年的土耳其地震、2001年印度、2008年成都地震、2011年日本福島核災他都沒有缺席。坂茂先生在設計避難所的時候,也考慮使用當地的素材作為建築材料,有趣的是有時他徵集了啤酒公司的啤酒箱作為臨時避難所的基座(當然還是要考慮到色彩的搭配);當居民集中在大型體育館暫留時,他更與學生們搭建了許多隔間,因為即使在避難時,人們也是需要隱私的。當地許多居民都相當喜歡坂茂的設計,甚至認為這樣的臨時住所,也是可以長久居住下去的。


因此,坂茂先生也相當自豪,覺得自己可以用同樣的預算與空間,打造更好的環境給避難的居民,他說:

如果是人喜歡的建築,那紙也可以成為永久的建築。
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►在Q&A的時間,主持人謝宗哲老師精選了三道題目與坂茂先生對談(以下為簡短節錄):

謝:坂茂先生在委託建築設計案與具有人道精神的行動、工作之間取得平衡呢?

坂茂:是利用委託案的金主捐獻來做災區的建案,災區的建案是無償的,但我很樂意去做。


謝:坂茂老師都是利用自然材質作為設計的元素?可以談談這個部分嗎?

坂茂:其實我並沒有說不喜歡鋼筋混泥土。我學生時代看建築大師的作品,會感受到每個時代都有流行的建築樣式,但是我不想這樣,我想要發明自己的建築材料及結構系統。在設計時會很自然地想要使用材質的特性,並利用當地所有用的素材。其實材料的強度不等於建築的強度,有些材料像是紙感覺上沒有很堅固,但是作為建築材料卻可以很堅固。

謝:坂茂老師在外國留學、在日本成立事務所,現在在世界各地有這麼多的案子,你如何看待東西方不同的文化價值觀?

坂茂:我不太清楚東方及西方風格究竟是怎麼樣子。有人問我說使用紙是因為取自日本的文化嗎,我回答不是。我在一個地方做設計時,會尊重當地材質與文化,創造舒適的空間。


坂茂老師在演講的一開始就提到:
建築大多而言是為了特權、權利、財富而服務的,但是我想做的建築不只是這樣。天然災害及地震並不會帶來死亡,而是倒塌的建築才會帶給人們死亡,而我認為這就是建築師的責任。

クライストチャーチ大聖堂,來源:Wikipedia

クライストチャーチ大聖堂,來源:Wikipedia


最後,坂茂先生分享了他重建紐西蘭基督城的教堂Cardboard Cathedral[9]的案例,同樣用紙管所構成的屋頂,搭配了容器所構成的彩色玻璃,這個教堂最後成為當地居民的聚集之地。連十字架都是用紙管所做的!然而牧師知道後抱怨十字架怎麼用這種材質呢;坂茂先生回答:紙(かみ)在日文中也是神(かみ)的意思,所以紙做的十字架具有神的意義。牧師聽到之後,就非常地高興。

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►筆記

最初知道坂茂建築師是某一年參觀南投埔里的紙教堂,發現被偌大水池包圍的紙教堂相當地特別又很美,是當地聚集居民的活動中心。其實聽著他的故事,最令人感動的是他為災區居民做的貢獻,是許多建築師都做不到的。確實相當多的建築都是為了服務權貴階級,然而卻也有許多建築師考量著環境或是想要更為大多數的人而服務,從許多建築展中可以看到這樣的思維也是當代建築設計的觀念之一,考慮到人與自然的共存共生。

沒有特殊地域思維及時代流行風格的坂茂式建築,跨越了國家及語言的界線,即使不懂建築歷史的人也可以理解,也可以單純地去喜歡這些建築物,想像建築可以留存很久很久,甚至都比人的生命還要長久。


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註:
[1] アルヴァ・アアルト展,ALVAR AALTO - Tokyo, Japan, 1986

[2] ハノーバー国際博覧会日本館,JAPAN PAVILLION, EXPO 2000 HANNOVER - Germany, 2000

[3]
ノマディック美術館 ニューヨーク,NOMADIC MUSEUM - NEW YORK, USA, 2005

ノマディック美術館 サンタモニカ,NOMADIC MUSEUM SANTA MONICA - Los Angeles, USA, 2006

[4]
ピクチャー・ウィンドウの家,PICTURE WINDOW HOUSE - Shizuoka, Japan, 2002

[5]
家具の家 No.1,FURNITURE HOUSE 1 - Yamanashi, Japan, 1995

[6]
Oita Prefectural Art Museum / 大分県立美術館,2014

[7]
Aspen Art Museum / アスペン美術館,2014

[8]
Disaster Relief Projects 災害支援プロジェクト

[9]
Cardboard Cathedral / 紙のカテドラル,Christchurch, New Zealand / クライストチャーチ、ニュージーランド,2013


//INFO.
SHIGERU BAN ARCHITECTS
http://www.shigerubanarchitects.com

10.27.2016

強化觀眾參與的博物館設計論壇─筆記分享

2016.10.20 國立歷史博物館

文/CHING-YI CHANG

覺得每次聽完講座都會把它收在筆記本中很可惜,這次難得因為工作可以在博物館聽研討會,決定來做個筆記,分享給喜歡博物館及展覽的人。這次的強化觀眾參與的博物館設計論壇(International Forum on Designing for Visitor Engagement in Museum)在國立歷史博物館舉行,由博物館學會、英國萊斯特大學等單位所合辦,其中有許多相當值得分享的設計案例,值得細細品味。

1.      Mr. Martyn Best 新經驗,新空間─中東地區的博物館經驗

Mr. Best是文化創新(Cultural Innovations Ltd.)的CEO,同時也是一名建築師,文化創新負責提供許多各類型的博物館策略規劃及管理的服務。他認為整體的博物館展示是這樣的:

Strategy 策略
  
content and Interpretation 內容及詮釋
 
Exhibition Design 展示設計

他列舉以下幾個博物館設計的案例:

- Grand Egyptian Museum, Cairo開羅(預計2018年完工)

2003年競圖的博物館,這個博物館離金字塔非常近,所以每年5萬名觀光客中有80%是外國人。考慮多國、多語言的觀光客是這個博物館設計最重要的事。



- Palestinian Museum, Birzeit   巴基斯坦

20165月開放,這個博物館靠近約旦河西岸,對於土地相當重視的他們,希望這個博物館可以展現他們的歷史並成為當地對話的中心。不過以色列的骨董文物法限制的因素,無法再此展示文物,因此將所有的文物利用雲端方式展現。



- Saudi Science Center Program,  United Arab Emirates

阿拉伯聯合大公國想在國內各地建設科學教育中心,因此有了這個計畫,促成了14個科學中心,強調自主學習的機會。



- Jameel Art Centre, Dubai (預計2017年完工)

這個知名的藝術中心,致力推廣伊斯蘭的文化,他們重視創新發展的藝術、科技、商業。目標觀眾在25歲以下(這實在非常特別!相當重視年輕人的未來發展,讓國家更有競爭力。)



- Sheikh Abdullah Al Salam Cultural Centre, Kuwait

實在覺得中東博物館面積都大得驚人!這個綜合型的博物館展現了阿拉伯世界的科學傳統、建築、科學歷程,從不同世代的運輸工具到東南亞雨林的樹冠層,展現大尺度空間中不同向度的展示思維。

這個博物館包含
- Natural History Museum
- Science Museum
- Museum of Islamic History
- Space Museum
- Fine Arts Centre
- Theatre



最後Mr. Best也給與大家在博物館設計時,需要的一些思考與原則:
1.      以觀眾為核心
2.      讓觀眾有參與感
3.      如何參與很重要
4.      想到給觀眾的第一印象及最後的印象

#筆記

整理來說,近年崛起的中東地區,其博物館事業發展是相當蓬勃的,也因為許多歐美建築事務所、博物館設計專家參與,對於各國重新塑造博物館的計畫都帶著新的思維,不像過去許多老字號博物館展品必須遷就侷促空間而展示、詮釋,中東博物館的參觀經驗絕對與其他地方有所不同。

其實在一個新的博物館被創造的同時,其觀眾客群就是主要考慮的目標,對於不同文化背景的觀眾,要考慮相當多的文化層面層,才能夠準確傳達知識及產生教育意義。




2. 丸若裕俊先生 商品的「製作」與「傳達」─文化的資源化,與地域攜手聯繫的方法

年紀相當輕的丸若先生,是株式會社丸若屋的代表,他致力發展日本文化的保存與復興,重新賦予傳統工藝及工業能量不同的姿態。這次丸若さん分享了一個非常有意義的案例─Dining Out



Dining Out是一個由汽車品牌Lexus主辦的企劃,將Dining Out這個活動拉開城市的餐廳中,到偏遠縣市的戶外邊界舉行。由世界級的主廚(江振誠,RAW主廚)運用在地的食材,打造完美的用餐體驗,像是在有田(ARITA)這個地方,料理所使用的器皿(有田燒)是在地的工藝師傅所打造的。丸若さん的團隊花了相當多的時間與工藝師傅相處、討論與合作,一百人的團隊打造為期三天的戶外用餐體驗。雖然在深山中的大雨與烈日中,所有受邀請的賓客都相當狼狽,但是在料理端上餐桌那刻,看見如此結合傳統與創新的陶瓷工藝,在這樣特別魔幻的氛圍之下,所有人都感動不已。

話說,這個案例分享跟博物館的關係在哪邊呢?

丸若さん提到:「體驗,才能留下記憶」

這與創造博物館參觀體驗的概念是一致的。我們都可以在這樣的活動中,從「過去」(傳統工藝)連結「現在」(當下的體驗),甚至創造「未來」(永續)!

#筆記

當前日本面臨著各府縣的傳統工藝與藝能逐漸消逝的困境,許多領域的設計師與文化財保護團隊致力於復興文化的行動,試圖讓舊的傳統與當代新的思維連接。而臺灣過去許多的傳統工藝,如今在許多公部門與私營機構的協助下,留存與延續。然而,博物館僅保存這些工藝,是不夠的,這些器物只靜靜地放在展台上,難以引起觀眾的興趣。

跟「人」息息相關的工藝,無論是編織、陶瓷、染布、木雕,都是需要溫度與觸覺的體驗,才能真正讓人記得。回到論壇的主題「強化觀眾參與的設計」其實也與近數年來的「社會設計」(Social Design)的理念符合,博物館展示不再只是將物件呈現與詮釋,而是要積極地讓人參與其中互動。



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INFO.


9.17.2016

印刷是一門有趣的學問─印–本–書 印刷美學設計展 X Books of Print

2016.8.5-10.12 新北市美麗永安生活館
圖、文/CHING-YI CHANG

圖 印–本–書 印刷美學設計展,2016年。

這個展覽實在是有點低調,但實在是一個可以得到甲上上評價的好展覽!在看展覽之前,可以先想想幾個問題:


  • 你多久沒有閱讀一本書了呢?
  • 在這個數位資訊佔有人們大部分生活的時代,你仍喜歡購買書籍,感受紙的顏色及油墨的溫度嗎?
  • 你喜歡的書長得什麼模樣呢?


在「印–本–書」展覽,解釋了相當多書籍、紙類的「印刷術」,以簡單明瞭的方式讓觀眾暸解「一本書是如何被製造出來的」。並搭配許多裝禎設計師、印刷職人的影片、作品及文字訪談,展現了書籍印刷的奧妙及趣味細節。

圖 鉛字印刷的迷人之處,就是整齊排列下,可以看見些微字及字的不同(可能因為磨損或常用字的影響),尤其在電腦印刷沒出現之前更容易發現這種狀況。

1. 印刷知識的增長

(A) 版印技術
由於我曾經也在大學時修過不少版畫課程(金屬凹版、石刻版、孔版課程等),因此對這個展覽有種莫名的熟悉感。展覽中詳細介紹了幾種印刷方式:凸版、凹版、孔版(網版),並附加許多紙本作為補助說明,讓觀眾一舉理解這些印刷方式對於色塊的表現、印刷字體的強弱、線條銳利度的差異。而且版印必須使用相當多的工具作為補助及校準的工作,每一項工具都有其特別的用途,版印實在是一門博大精深的藝術。

圖 介紹各種印刷術。

圖 照相樹脂版細節的細節,實在很迷人!

圖 孔版(俗稱絹印)可以印帆布包或是表現大色塊,套版是最常讓顏色豐富的做法。

 (B)紙的選擇
另外印刷的載體「紙」的材質選擇,也佔有印刷重要的一部分,有些紙容易吸墨、有些紙則適合做為封面、扉頁。紙的紋路及細緻度影響著人的觸覺,紙面的顏色飽和度則影響人感覺這本書是溫暖或是冷冽。紙的挑選應是所有設計師、編輯、出版者的重要考量。

圖 上方懸掛不同的紙材。

圖 此區提供經典紙品樣本(Paper Sample),觀眾可以索取不同紋路及特色的紙樣,感受相異的「紙的氛圍」。

2. 書本總是充滿著各種細節

另外展覽中值得一看的是設計師們的訪談,設計師對於書印刷都擁有獨特的觀點:「什麼樣主題的書該如何表現」、「字體如何影響了書本的視覺設計」,相當值得參考,像是設計師陳星凱、何佳興的設計理念都滿值得學習的。

圖 很喜歡設計師陳星凱的這段文字「我喜歡用字體與文字的語氣是一致的。例如,張狂的詞就要用強烈、大膽的黑體……特別為字體設計適當的表情……。」

3. 世界最美的書

展場在後半部分最棒的設計,是讓觀眾自己翻閱各國許多特別的裝禎書籍,有幾款設計真是棒極了!記得在上海時也曾在新華書店看過這樣的企劃,將過去這一年度出版的書籍評選並展示「中國最美麗的書」。能夠親自碰觸不同材質的書籍設計,紙與墨的所共同打造的成品,果然能夠帶給人們許多不同的溫暖。

最後還有一區介紹ZINE,在藝文出版界流行多年的ZINE,是獨立出版者為了小眾所製作的文字圖像出版品,通常是原創、擁有獨立圖像風格的刊物為了「表達自己想要說的話」,DIY製作或限量印刷[1]。


圖 觸摸你覺得美麗的書設計吧。

圖 對這種書邊上美麗顏色的書相當沒抵抗力,此為《魯迅箴言》日語版。

Photo/圖 特別的燙金讓封面加分(左);有些書本不整齊書邊(右),保留印刷過程的痕跡。
圖 ZINE最棒的是,你無法想像翻開之後的內容,總會有些稀奇古怪的想法及圖文在裡面。

展覽用了一種拆解手法去展示「印書籍」這件事,重新取樣了印刷術的脈絡,採取了「過程展示」(procedure exhibits)的方法,將生產或是製作過程為框架,說明技術的內涵意義,及思考「為什麼這樣做」的問題。這樣的展示方式可以讓觀眾對於「書印刷」這個特定主題印象深刻,進而理解、感受。看完展覽後,相信在購書時,會對書本的設計及印刷有更多的觀察及想法。


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[1]想要瞭解ZINE的話,可以點選下列連結:
下北澤世代→
田園城市風格書店會舉辦百元ZINE活動→


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新北市美麗永安生活館
展覽資訊→