9.06.2016

活躍於國際的佐藤大─日本nendo設計展in Taipei

2016.8.27-10.30 松山文創園區 台灣設計館

圖、文/CHING-YI CHANG



強烈建議要去看展的人可以先去看《「!」的設計:設計鬼才佐藤大的10個創意關鍵字 》這本書,會有莫名的感動。當初閱讀完這本書後,覺得這個建築設計出身的佐藤大在小尺度領域(傢具、商品)設計中還能夠如此細膩及活耀,實在太厲害了!
在書中有許多相當有趣的設計概念,針對不同市場規模(歐洲、亞洲)及不同委託對象(品牌)而提出的設計思維,對於即使不是做設計的人,在各種企劃或需要提出創意點子的人來說,都是相當受用的經驗。

而這次,台灣設計館引入佐藤大工作室nendo的作品,超過200件設計展出,對許多設計迷來說,實在是相當難得的經驗(畢竟這些設計商品,平常也都買不到!所以也看不到)。

來說說這個展場的三項特色:

1. 以櫥窗方式展現百樣設計

相信佐藤大在得知nendo要在松菸這個古蹟場所展出時,必定有許多考量,像是走廊動線、光線、管線、顏色氛圍等等。展場呈現「回」字型動線,讓觀眾經由1至100編號細細瀏覽不同的商品設計,聽展場的志工說,僅在牆上放置英文與插圖說明是佐藤的理念,讓觀眾專注看設計(中文說明在小冊子上有提供,也因為資訊或是設計知識可以輕易在網路上取得,來源:佐藤大策展專訪全文_Design雜誌)。因此,以特別的藍綠色、木框櫥窗貫穿了百樣設計展示,在櫥窗空間中,觀眾可以看到設計的全貌。

圖 以櫥窗空間展示。





圖 以特別的藍綠色作為底,白色文字呈現說明。




2. 設計圖絕對是重點,一看就懂

nendo所展示的設計單品,通常都會有一個單詞搭配圖說。最優秀的設計是,常常不需要閱讀內文,光看圖說就知道設計概念了!在許多商品中,許多設計概念更有一種隨心所欲將物的「形」當成實驗或遊戲的直覺,充滿趣味。

圖 像是這個與三宅一生合作的椅子,是佐藤大以「隨興地創造」的原則產生的設計,將三宅先生擅長使用的材質聚合起來,從中間劃開就成了一張擁有自由形的椅子。

圖 thin black lines這件作品也是概念相當強的設計,使用一條線就讓椅子成形,讓觀眾擁有錯視感,這款設計曾在英國Saatchi Gallery展出。
圖 totte-plate,這食具最棒的就在有個一體成形的把手,如果裡面的食物很燙可以直接拿起,還可以掛在牆上。
圖 kazan,這款像火山一樣的小金屬,是放置抽取式衛生紙的工具,讓人不用再煩惱醜醜的衛生紙外盒了,直接讓衛生紙裸著吧!

3. 一次蒐集全球各大品牌的創意商品

nendo在米蘭有設辦公室,而許多案子也來自歐洲不同客戶,因此在次展覽中可以看到許許多多知名品牌。展場大概是依照地區的設計排列,依序是歐洲、亞洲。

再來說說我最喜歡的幾項設計:

圖 Mub americuno Starbucks星巴克杯,這件商品實在很可愛,在杯子倒掛的時候還假裝是有飲料的相當幽默,是佐藤大所提出的「建立全新的連結」設計概念。

圖 snow dome,香水控應該會很喜歡這個設計,沒想到平常是水晶球,倒過來是香水!相當美。

圖 ribbon,這款香水應該擄獲少女的心,緞帶同時也散發著香味,實在太夢幻了。

圖 stay-brella,雨傘特別的把手設計讓雨傘能夠直接立在地板上不用傘架,相當實用。

圖 chocolate-paint,喂~這款巧克力實在太犯規了!怎麼可以假裝成油畫顏料的樣子呢,切開之後內餡還流出來。

圖 這款簡潔有力的辦公室for Offecct座椅,實在很想試坐看看!

參觀完超過百件nendo的設計產品,對照書本中所提出了數個創意關鍵字,其實能夠感受到佐藤大對於設計有一套別於傳統設計概念的方法論,尤其是一種自由卻帶有邏輯性的設計方法。在培育設計的階段,佐藤大提到nendo的方針是:
一、發現許多七十分的點子。
二、以「三倍數」歸納出超乎客戶期待的簡報資料。
由此可見,他相當重視設計思考及運用全力的工作態度,也許這就是nendo可以拿到各大品牌的委託與維持高品質設計能量的秘訣。

最讓我感動的,其實是佐藤大在蒐集靈感的方式,他認為靈感不是一直刻意去尋找的,而是要保持一種「過濾器」的感知狀態,進行日常生活,才能夠發掘各個事物間的差異及存在的故事,也就是說,設計師要懂得生活!日本的許多設計師常探究事物的「本質」去看待生活,發展設計,打破原有的界線,產生些微的差異感,這樣的概念可以讓我們思考無論是設計、企劃或是展覽上都可以擁有新想法及突破原有的偏見。

描述了這麼多,不如直接走入展場看看nendo精彩的設計吧!


INFO.
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佐藤 大(Oki Sato)
1977年生,建築學位畢業的他,2002年成立了「NENDO工作室」投入設計市場,跨越了建築、室內、展示、傢具、工業、平面設計多種領域,與全球各品牌合作,曾獲Newsweek誌「世界が尊敬する日本人100人」、「世界が注目する中小企業100社」獎項。

裡面還有相當多的設計圖及說明,值得去逛逛。


8.01.2016

原來編輯這樣想!《POPEYE》與《&Premium》總編輯造訪台灣

城市潮流編輯部 POPEYE X &PPREMIUM 台北限定特展 敦南誠品
2016.7.15-7.31

圖、文/CHING-YI CHANG



大概從某一年去日本旅行前,就開始迷上了許多日本雜誌,最喜歡看到雜誌封面那一瞬間之外,除了亮眼的版面設計,有一種「天啊!原來這種主題可以做成雜誌!」的驚呼!雖然蒐集不多,閱讀雜誌的歲月也相當短(編輯資歷:斷斷續續,雖然與友人曾在多年前製作Zine,這是一個非常有趣的經驗)。回顧我喜歡的日本雜誌應該算是BRUTUS吧!

圖 我蒐集的雜誌,最喜歡的幾期!幾乎都是BRUTUS CASE的專題,最喜歡室內設計或是旅遊主題,另外攝影家森山大道特輯是因為看了他的自傳覺得很感動就購入了!另外おいしいお菓子講的是日本零食相當可愛!

非常有趣的是,我在翻閱雜誌時,就會想像這些印刷精美的內容,是如何呈現在實體展覽中。有時候我認為編輯與策展有著非常雷同的性質,同樣決定主題、深入探討、試圖用各種手法說一個故事給觀眾(讀者)。在網路資訊不斷竄流的時代,雜誌與展覽都面臨著數位化的問題。編輯與策展的思維某種程度類似,卻又在2D及3D上各有不同的表現手段與界限。

這次由黃威融策畫的潮流雜誌展,邀請了知名日雜《POPEYE》及《&Premium》的總編輯來臺灣,並舉辦工作坊,進行台日雜誌編輯會議的交流。展覽基本上呈現了兩大雜誌的定位及如何影響這個世代的男性女性讀者,對於沒有翻閱過這兩本雜誌的觀眾來說是一個相當新奇的體驗;而對於熱愛這兩本堪稱雜誌典範的編輯、雜誌愛好者而言,是一個相當難得近距離觀察、剖析雜誌結構的機會。

#展覽速記

三項特色:
1.直接介紹《POPEYE》及《&Premium》兩大雜誌的核心理念
2.以總編輯的具體角色述說編輯二三事,類似總編輯的日誌形式
3.細節呈現雜誌企畫思維及相關概念,如:年代、主題取材、視覺傳達的應用


圖 傳說中的Magazine House,出產過許多相當暢銷的雜誌。

圖 兩位總編輯在工作桌前的樣子。

圖 牆上充滿了總編輯語錄!總覺得日本人擁有堅強的信念。


圖 現場也放了幾本《&Premium》編輯部出版的專題《cooking》、《New York》、《bread》供讀者翻閱。

圖 40週年的《POPEYE》,內頁附有40年前的創刊號,對照起來真的非常有趣!

圖 其實《POPEYE》最讓人值得玩味的,在全世界漫遊的男子們,他們的穿著品味、物件、喜歡去玩的地方在在都展現了當地的文化,有時候這些東西男生女生都喜歡不是嗎?
圖 校色也是編輯重要的工作之一。
圖 另外一區也邀請台灣知名人士談談自己最喜歡的日本雜誌。
圖 《&Premium》在2015年推出了「為大家帶來幸福的麵包」特輯,真的讓人覺得:哎呀!幸福這件事原來可以說出口,好像真的可以展現在食物上呢!


#編輯會議筆記

相當榮幸可以參與這次的《&Premium》編輯會議,讓自己的企劃案與不同的雜誌編輯與企劃人員分享,覺得相當收穫滿滿。這次大家分享的題目是:
假設要製作給日本讀者的《&Premium》,以〈台灣特輯〉為主題,提出企劃案。

總編輯芝崎先生在一開始就提到:

1.簡報時,可以想如何貼切地呈現在紙本上
2.想法不必太具體,太現實面反而會有點無聊
3.思考想要的內容,是去感動讀者,有時候編輯想要做的內容不一定與讀者喜歡的相同

然後接下來就開始大家的提案簡報了!在這之中我也學習到許多有趣的建議與觀點:

1.若是以台灣的「音樂祭」為主題就可以將重點放在音樂祭本身,人的生活風格穿著等。
2.以「台式料理」為主題的話,可以更告訴讀者這些情報是誰給的,展現專家的專業性,或是由編輯自己登場來介紹(這樣在日本是非常流行的作法!)
3.對日本人而言,如果可以用一個歐美人士的角度在台灣旅行,可以傳達完全不同的角度。
4.用「語言」作為切入點是相當有趣的,讓人有無限的想像空間!
5.如果以「台灣高山」作為主題,可以加上多一點人情味在裡面,像是介紹爬山者或是住在山中的人。
6.以「時間」作為切入點是相當細膩的,像是幾點起床、出發、回到都市與地點,這樣的故事很有情境。
7.以「溫度」來詮釋台灣的點子滿新穎的,若是用超級熱的台灣夏天做一個特輯,反而是一個賣點。

另外,我相當好奇的是:
總編輯如何選擇呈現「台灣」,是用一個廣泛的角度或是聚焦的主題呈現呢?
芝崎先生回答:
製作指南書的時候,自然會採取廣泛、較散的方式呈現,可能會有趣可能也不會;但若是呈現聚焦的主題,就必須找到很強的取材,才會有趣,但也可能賣得好或不好,這沒有定論,以總編輯的角度而言,是要考慮銷售量的。

最後,總編輯認為對於網路資訊的衝擊,雜誌需要創造自己的情境,讓讀者樂在其中,應該要想著整體的呈現有起承轉合!

另外,九月份的《&Premium》主題是「故事」,讀者們可以盡情期待喔!

圖 提案中!/On desk提案 Facebook提供

圖 大家與總編輯芝崎先生的合照/On desk提案 Facebook提供





7.28.2016

在田中央的建築工作者-活出場所Living in Place國際巡迴展

2016.5.30-8.14 學學文創原色空間
圖、文/CHING-YI CHANG



每一次在美術館看到許多建築師所製作的模型展覽,都深深感到不同領域的專家的想法與設計理念都不斷用自己的方式,影響這個社會與城市的樣貌。雖然目前在建築事務所工作,但接觸都是大型公共建設的建築類型,每次看到像日本許多建築師參與地方改造的新聞時,總想著「原來建築師真的有很多不同的類型呢!」究竟一個建築師及他的事務所,如何去關心他們生長與居住的地方呢?他們究竟帶著什麼樣的思維去改造他們所熟悉的風景?
我想田中央聯合建築師事務所的「活出場所」展覽是一個相當帶有情感的例子。


展覽筆記

展覽包含四個主題「與時間做朋友」、「認真地生活在山海土水之間」、「大棚架和地景參考線」、「記得身體、忘記時間」。敘事的軸線是由一群有想法的年輕人,受到宜蘭這塊土地的啟發開啟了故事,他們逐漸花許多時間在宜蘭平原的水系、海岸線及公共系統上,貼近宜蘭人的日常勝活、在自己的腳步上默默地耕耘著。

田中央使用了「維管束」來形容自己的計劃,像是植物運輸養分及水分的部分,逐漸將自然的能量灌溉到宜蘭的土地上。在這之中,有許多有趣的作品,例如:西堤屋橋與宜蘭河河濱綠廊、丟丟噹森林、三星全天候型廣場、石牌金面展望台、員山機堡,以及在最後的空間展出的櫻花陵。這些作品都有一種與人、與自然貼近的共同特質,不張揚地融入在當地的環境中。

圖 礁溪生活學習館模型。

圖 石牌金面展望台結構模型,從影片介紹中可以看到展望台的景色相當美,座落在許多蕨類植物旁。

圖 羅東文化廣場模型局部,利用較剛硬的材料串聯「文化工廠」的意象,
以棚架的概念讓人的流動成為此處的特色。

圖 櫻花陵,本是公共建設道路的一環,田中央在此製作成一個彎曲的橋,
在結尾的地方又開展山的視野。影片中播放了從施工到落成的影片。


擁有共通理念的夥伴們

從每個作品的概念中,都可以感受到田中央工作群的理念。在展覽的最後一區,以年表的方式展出田中央的夥伴們的移動軌跡,何時加入田中央的行列又何時離開。可以看到事務所的成員們是將生活與工作合而為一的,因為認同田中央的理念而加入團隊。

之前在黃威融的書中[1]看到Shopping Design團隊曾經訪問過黃聲遠建築師及田中央工作群,最後的這張圖片,他們在田野及空地中的合照很能表現田中央的夥伴們的工作態度,是如此喜歡宜蘭這塊土地,他們都是建築的狂熱分子!能夠找到一個如此認同的理念,並且朝著目標前進,真是一件幸運的事!

圖 田中央夥伴的工作時間軸。

圖 現場提供許多田中樣的報導或是書籍書籍,提供觀眾翻閱。

圖 最後這段文字搭上外面的風景,很有田中央工作室理念的感覺。
一個擁有理想的人,如何在奮鬥多年後,仍保有自己最初的想法呢?


若是展覽,就應該注意的二三事!

然而就一個觀察展覽的角度而言,這個展覽在指示或說明系統上,是有缺陷的:

第一,展覽的第一站雖然是在日本,但是搬回臺北展出時,牆上卻只有英日文說明、缺少中文說明(僅製作了導覽手冊),造成閱讀的障礙。

第二,許多模型放在鏤空的展台上並沒有標示得很清楚,觀眾其實難以去辨識哪個模型是哪一個案子的,造成理解上的錯誤。

這兩項展示的安排大大阻礙觀眾深入理解展覽內容,對於非建築設計背景的觀眾而言,辨識模型其實是有某種程度的困難。

展覽,並非只是熱情地傳達自己理念的一種方式而已,而是要讓理念有效地傳達給觀眾,很多觀眾也許是第一次接觸展覽內容,不知道案例的前因後果與脈絡,展覽應該要讓大部分的人都能理解才是。建築人在展現自己對於土地的熱情之外,也不能忘記這樣的原則,將自己的理念適切地傳遞給觀眾。

[1] 黃威融(2014),雜誌俱樂部招生中。

INFO.
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7.20.2016

單位,你看待世界的方式

單位展― This much, That much, How much?
2016.7.1-9.16 松山菸廠文創園區

圖、文/CHING-YI CHANG



最期待的「單位展― This much, That much, How much? 」自這個月開始在臺北展出了!之前2. 都有一種想飛去東京21_21 Design Sight看展覽的衝動。有一次知道21_21 Design Sight這個地方後,就開始密切注意他們的策展團隊,發現他們所規劃出來的展覽主題都相當有趣,一般來說博物館屬性分為自然科學、藝術、歷史考古等類型,而其展覽將會就主題所延伸,但是21_21 Design Sight所策劃的展覽,是以設計師的思路去想像「設計」與「社會」的連結性,因此展覽的主題突破展覽慣有的敘事,像是:

-「コメ展」KOME : The Art of Rice(2014年)(→米之展覽,作為日本重要的主食,如何呈現這種日常的主題呢!)
-「雑貨展」 ZAKKA -Goods and Things(2016年)(→雜貨展,如何呈現從過去至今的雜貨呢!雜貨店?便利商店?選物店?)
-「デザインの解剖展: 身近なものから世界を見る方法」(2016年)(→怎麼會有人將解剖作為主題呢,超獵奇!)

光聽這些展覽的名稱,就真的超想一探究竟的,像是一本吸引人閱讀的書籍,立刻就想翻開第一頁呢。到底「單位展」裡面有什麼呢?
就來看看策展人中村至男及展覽設計師寺山紀彥帶來的單位展吧!

圖 一進入展場後,可以看到整面牆是21_21 Design Sight曾經策過的展覽海報。
圖 影片中放了在日本的單位展的布展過程,觀眾可以任意點選拉近看細節。

HEY!單位的使用守則
「單位是什麼呢?」我想這個問題,應該一般人也很難意識到吧!一般最常用的是公分(cm),但在執行建築或室內設計工作時,常用的單位就是公釐(mm),因為可以精確地呈現尺度。單位展不免俗地在展覽一開頭介紹不同的單位,像是:平方公尺、公升、公斤、牛頓、焦耳、西弗等。在展場中,出現了許多問句向觀眾提問,像是「1GB有多大?」、「蘋果有多大?」,要觀眾動手測量看看這個物品多重、計算時間,在過程中,其實會超乎自己的想像,原本自己估計的單位,與實際上的測量單位,總是有些差距!

圖  有的觀眾測量蘋果的大小,居然跑出西瓜或是柳丁!
圖  有些科學單位真的感覺一輩子都不會用上呢!

藝術家、設計所想像的單位
在展覽中,有許多相當有創意的發想,像是邀請許多藝術家或是設計師,以新的方式呈現單位這件事。像是「話語的重量」(大野友資+岡本健)就是用日本五十音、中文注音符號及英文字母實體化,讓觀眾自己點選想要的字,測量這些語言的重量。還有像是轉換各種單位的裝置,讓人有一種「喔!原來100個漢堡的熱量可以使汽車跑多遠的距離!」這樣的想像,相當有趣。另一個大型裝置「長度的比較 指標1到100」(寺山紀彥),將1到100公分的東西,依序排列,擺在觀眾眼前,有些日常用品真的在平常時感覺不出它們的長度,藉由這個機會,重新將單位及身體感知連結在一起。

圖  每個字都有不同的重量,以0.01克這種精密的單位計算。
圖  一字排開日常生活的東西,相當壯觀。

圖  稀奇古怪的工具,測量各種不同物件有各種不同的用途,
圖左/張口測量尺,圖右/義大利麵測量器。

互動的展示,自己感覺單位
在其中有一個相當讓人感動的裝置,那是觀眾站在一個台階上時,會開始計時,然後在這一分一秒的過程中,這個世界究竟發生什麼樣的事:和菓子碎了、削鉛筆機轉了一圈、水滴落下了,這樣子呈現「時間」及這個世界的短暫變化,相當浪漫。另外,還有許多可愛的互動裝置,像是:將每個年齡單位都轉化成一個字蓋在紙上;讓觀眾逐步前進,而影像變成越來越大的Pixel。

圖 以秒速不斷變化的畫面,「時間」這個單位好像變得具體且真實。

圖 在單位展中,也陳列出不少單位的實體樣式,像是紙張、酒盎的單位。
圖左 不同年齡有不同的代表字;圖右 古代人利用錢枡可以將銅板放入錢枡格子裡,快速計算銅板數量。
圖 無印良品的設計,向來都有固定準則,展場中展出以日本木造建築3尺/6尺為基準的收納生活提案。

單位,看事物的新思維
單位展的趣味性十足,也體現了日本人在製作展覽時的嚴謹與追求事物「原點」的準則。像「單位」這樣純粹的主題,就不同背景的人來詮釋,應該會是另外一種樣貌吧!如果是科學家來呈現單位展,想必會將所有的實驗算式或是分子壯觀地排列在觀眾眼前。如果是廚師或料理家,也許會帶入分子料理的概念,展現相當多奇形怪狀的廚具,或是去探究里肌肉的纖維。「單位展」相當有趣的是,每個觀眾原本都帶有自己的想法走到這裡,都將帶走許多不同對於單位、對於這個世界的新想法走出展場,這就是展覽可以做到改變人的最大力量。我想我們都能夠以新的眼光看待「單位」所組成的世界。


INFO.
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-單位展為何令人期待?這些參與的設計師你一定知道! shopping design